Historia Que Nos Llega De Manera Audiovisual

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La película "Blancanieves y los siete enanitos" (Snow White and the Seven Dwarfs en inglés) fue lanzada en 1937 y es ampliamente reconocida como la primera película de animación de largometraje producida por Walt Disney Productions (ahora conocida como Walt Disney Company). Aunque "El viaje a la Luna" de Georges Méliès en 1902 fue una de las primeras películas de animación, fue un cortometraje y no una película de largometraje como "Blancanieves y los siete enanitos". La película de Disney fue un gran avance en la historia del cine de animación, ya que marcó la primera vez que se realizó una película animada con una duración de largometraje y una narrativa completa. "Blancanieves y los siete enanitos" fue un gran éxito en taquilla y crítica, y estableció el camino para la producción de futuras películas animadas de Disney como "La Cenicienta" (1950), "La Bella y la Bestia" (1991) y muchas otras. Esta película se considera un h...

Si la invención del cine fue toda una revolución, no se quedó atrás el cine a color. Hasta ahora se sabía que fue en 1909, en el teatro Palace-Varieté de Londres, donde se proyectaron por primera vez películas en color, gracias al empleo del sistema cinemacolor inventado por George A. Smith. Este sistema utilizaba tan sólo dos colores, el verde y el rojo, que se mezclaban de forma aditiva. Más tarde llegaría el technicolor, concretamente en 1916, y fue mejorada a lo largo de varias décadas. Desarrolló el procedimiento tricromático (verde, rojo, azul), cuyo uso exigía una triple impresión fotográfica, incorporación de filtros cromáticos y unas cámaras de enormes dimensiones. Curiosamente, se considera la primera película filmada completa con este nuevo sistema un corto de animación de Walt Disney, Flowers and Trees, dirigida por Burt Gillert en 1932.

La primera película sonora en la historia del cine se llama "El cantante de jazz" (The Jazz Singer en inglés). Fue lanzada en 1927 y dirigida por Alan Crosland. Esta película marcó un hito importante en la transición del cine mudo al cine sonoro. Aunque "El cantante de jazz" no fue completamente hablada, incluyó segmentos de diálogo y canto sincronizados con la música y la acción en pantalla. La película presentó a Al Jolson, un famoso cantante de la época, en el papel principal. La inclusión de secuencias sonoras en "El cantante de jazz" atrajo a audiencias masivas y demostró que el sonido podía ser una característica importante en el cine. Esta película fue un gran éxito en taquilla y cambió para siempre la industria cinematográfica, llevando al final de la era del cine mudo y al comienzo de la era del cine sonoro, conocida como la "época dorada de Hollywood".

El recorrido y la evolución del cine nos deja hoy fechas que supusieron un punto de no retorno en su historia. Desde los grandes avances tecnológicos hasta las películas más particulares y rompedoras son esenciales para que lo que hoy conocemos como cine, sea lo que es.

Además de para publicar contenido sobre cine, que es el propósito de mi blog, también haré uso de el como cuaderno digital durante este curso para la asignatura de Imagen y Sonido. La función de este apartado, por tanto, será la de diferenciar contenidos.

"Ben-Hur" se destacó por su grandiosidad visual y su escala monumental. La película presentó escenografías masivas, miles de extras y una producción cuidadosamente detallada que recreaba la antigua Roma de manera impresionante. Fue una de las películas más caras jamás realizadas en ese momento, y esa inversión en producción y tecnología se tradujo en una experiencia cinematográfica espectacular. Películas como "Ben-Hur" son ejemplos de cómo se utilizaron las técnicas de decorado más avanzadas para crear escenarios espectaculares, como el famoso circo romano. Marcó un antes y un después en este ámbito. La película se basa en una novela homónima de Lew Wallace y narra la historia de Judá Ben-Hur, un hombre judío que busca venganza contra su antiguo amigo romano. La narrativa épica y emocional de redención, justicia y perdón resonó con las audiencias y se convirtió en un tema recurrente en la cultura cinematográfica. "Ben-Hur" fue un gran éxito en taquilla y ...

"Singing in the Rain" celebra y satiriza la transición del cine mudo al sonoro en Hollywood durante los años 20. La película se centra en la llegada del sonido al cine y cómo afecta a los actores y a la industria cinematográfica en general. Esto es un reflejo de un momento crucial en la historia del cine y la evolución de la tecnología. La película es un homenaje a la música y la danza en el cine. Presenta secuencias musicales y coreografías memorables, siendo la escena del título, en la que Gene Kelly canta y baila bajo la lluvia, una de las más famosas y queridas de la historia del cine. Esta obra nos deja clara constancia de la manera en la que se grababan la mayoría de películas de esta década, fue la época del decorado y el atrezzo en estudios de grabación. A pesar de que se estrenó hace décadas, "Singing in the Rain" sigue siendo una película popular y querida por el público de todas las edades. Sus números musicales siguen siendo interpretados y parodiados en...

La década de los 50 fue conocida por muchas cosas: riquezas de la post guerra, el tiempo libre, el confort, la guerra de Corea, los valores de la clase media, el jazz moderno, la comida rápida, desde entonces la gente empezó a ver más la televisión en vez de salir. En el periodo que sigue a la Segunda Guerra Mundial, cuando la mayoría de las películas estaban idealizadas  con imágenes de hombres y mujeres convencionales, los jóvenes querían nuevos y excitantes símbolos de rebeldía. Hollywood respondió a la demanda y numerosos actores dieron vida a los llamados anti-héroes. Esta década también supuso el auge de la televisión. Ahora, Hollywood y la televisión disputaban una guerra, por lo que a media que este último se volvía más popular, la industria del cine respondió con tecnologías y formatos nuevos, como el Cinerama y el CinemaScope, para tratar de sobresalir sobre la televisión convencional y atraer al público a las salas de cine. Por otro lado, aunque el cine negro se des...

"Casablanca" se ha convertido en un símbolo del cine clásico de Hollywood y una de las películas más amadas de todos los tiempos. Su influencia en la cultura popular es innegable, con innumerables referencias y parodias en medios posteriores. La película es conocida por su excelente guion, actuaciones notables y dirección habilidosa. Ganó tres premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Adaptado, lo que reconoció su calidad artística y narrativa. La trama trata una historia de amor, sacrificio y redención ambientada en la ciudad de Casablanca, Marruecos, durante la Segunda Guerra Mundial. La película mezcla elementos de romance, intriga y drama de una manera cautivadora. Es importante tener en cuenta que tuvo gran repercusión dado que se estrenó durante la Segunda Guerra Mundial y abordó temas relacionados con la guerra y la resistencia contra el nazismo, lo que la hizo relevante y significativa en su momento. Solo con ver el tráiler nos hacemos una...

Dirigida por Alfred Hitchcock, esta película de suspense está basada en la novela de Daphne du Maurier y sigue la historia de una joven que se casa con un hombre viudo y luego descubre oscuros secretos en su mansión. La película se desarrolla como un thriller psicológico en el que la nueva esposa lucha por adaptarse a la vida en Manderley y por comprender el misterio que rodea a la difunta Rebecca. La sombra de Rebecca y el secreto que rodea su muerte son elementos clave de la trama. La película aborda temas universales como la obsesión, los secretos familiares y la lucha por la identidad, lo que la hace relevante y atractiva para las audiencias de diferentes épocas y culturas, y claro ejemplo del cine negro.

Sin olvidar que seguimos en la denominada "Época dorada". La Segunda Guerra Mundial tuvo un impacto profundo en la industria cinematográfica en todo el mundo. Muchas películas se centraron en temas relacionados con la guerra, y Hollywood produjo una serie de películas patrióticas y de propaganda para apoyar asuntos bélico de Estados Unidos. De esta forma el cine empezó a colorearse de un tono más realista, de la misma forma que hicieron en los años de la depresión de la década de los 30. Aunque las películas en blanco y negro todavía eran predominantes, la década de los 40 vio el desarrollo y la popularización de las películas en color. Títulos como "El Mago de Oz" (1939) y "Lo que el viento se llevó" (1939) fueron pioneros en el uso del Technicolor. La década de los 40 vio la consolidación de varios géneros cinematográficos clásicos, como el cine negro (film noir), que se caracterizaba por su estilo visual oscuro y sus narrativas de detectives y crimen. T...

Esta épica película dirigida por Victor Fleming, basada en la novela de Margaret Mitchell. Sigue siendo un clásico del cine y cuenta la historia de Scarlett O'Hara y su vida en el sur de Estados Unidos durante la Guerra Civil. "Lo que el viento se llevó" fue un éxito inmenso tanto en taquilla como en la crítica. Ganó ocho premios Oscar, incluido el de Mejor Película, y se convirtió en un fenómeno cultural. Es considerada una de las películas más exitosas en la historia del cine. Es una película larga, con una duración de más de cuatro horas. Fue un logro en narración épica y cinematografía, y su larga duración no ha disminuido su impacto en el cine.

Dirigida por James Whale, esta película basada en la novela de Mary Shelley fue una de las primeras películas de terror de la década de los 30. "Frankenstein" de 1931 provocó un gran impacto cultural, ayudó a definir el género de películas de monstruos y sentó las bases para muchas películas de terror que le siguieron. La imagen del monstruo de Frankenstein se convirtió en un arquetipo del cine de terror.  

Esta época fue testigo de la aparición de muchas películas clásicas que han dejado una huella indeleble en la historia del cine. En este ambiente surge la “época de oro” de Hollywood que abarca desde finales de los años 30 hasta principios de los 60. La Gran Depresión, que comenzó en 1929, tuvo un impacto significativo en la industria cinematográfica. A pesar de las dificultades económicas, el cine seguía siendo una forma de entretenimiento asequible y escapista para el público, lo que llevó a la producción de películas que ofrecían evasión y diversión.

Si bien  Drácula , la novela de Bram Stoker, introdujo a los vampiros a la cultura popular,  Nosferatu  estableció gran parte de la mitología moderna referente a estas criaturas de la noche. Dirigida por F. W. Murnau y estrenada en 1922, la película es considerada todo un ícono del cine de terror.

Imposible hablar de la década de los veinte, y de la historia del cine en general, sin hacer referencia al gran Charlie Chaplin. The Kid fue el primer largometraje del cineasta, quien no solo protagonizó el filme, sino que también lo escribió, produjo, editó, e incluso escribió la banda sonora original para esta película muda. La película presenta al icónico personaje de Charlot (también conocido como "El Vagabundo"), que ya era ampliamente reconocido en el cine mudo. En "The Kid", Chaplin profundizó en la humanidad y la empatía de su personaje, lo que contribuyó a la evolución y la duradera popularidad de Charlot. Esta película sentó las bases para la comedia cinematográfica, mostrando cómo la comedia podía ser un vehículo efectivo para explorar temas profundos y conmovedores, lo que influyó en películas cómicas posteriores que abordaron temas sociales y emocionales de manera similar.

El cine mudo fue una época fascinante en la historia del cine, donde las películas se contaban sin palabras. Fue una época de experimentación y descubrimientos, donde los cineastas aprendieron a contar historias a través de imágenes y gestos. Directores como Charlie Chaplin y Buster Keaton se convirtieron en estrellas de cine durante la era del cine mudo, gracias a su habilidad para hacer reír al público sin decir una palabra. La década de 1920 fue una época significativa en la historia del cine, marcada por la transición del cine mudo al sonoro y el surgimiento de un cine más moderno y experimental.  Estas películas son solo una muestra de la rica historia cinematográfica de la década de 1920 y su influencia en la evolución del cine. Cada una de ellas ha dejado una marca duradera en la cinematografía y ha influido en generaciones posteriores de cineastas.

La necesidad de contar historias y dejar constancia de ellas nos ha acompañado desde la época de las cavernas. Esto nos ha hecho superarnos constantemente en la forma y la calidad en la que las contamos. Así pues, no es de otra manera que nació el cine. El cine es arte, entretenimiento, medio de comunicación y, como objeto de su tiempo, un reflejo de la Historia. Como resultado, hoy contamos con un inmenso archivo de material audiovisual donde se ve reflejada de manera indirecta la sociedad, la historia, los deseos, las ideas, y en general la percepción y el pensamiento de generaciones anteriores a la nuestra. Así pues, analizando el cine podemos conocer mucho sobre el legado de una generación. Es por eso que en este blog recogeré las películas que más marcaron las distintas décadas del último siglo, abarcando desde las producciones de Charles Chaplin hasta los blockbusters de Hollywood.

¿Cuáles fueron los inicios del cine?¿Cuándo?¿Por qué? El 28 de Diciembre de 1895 es la fecha que se toma como referencia cuando se habla de los comienzos del cine, en la que se proyectaron al público las primeras películas realizadas por los hermanos Auguste y Louis Lumière. Por tanto, el cine como lo conocemos hoy, nos llega de manos de estos famosos hermanos que comenzaron una revolución, los hermanos Lumière.